KoRn

Miremonos a los ojos y admitamoslo: a día de hoy tener 20 años y ser seguidor de este tipo de grupos creados a mediados de los ‘90 puede ser considerado por algunos como una pérdida de tiempo. En cierto modo lo és. Pero bueno ese no es un tema que me interese mucho, en todos lados vas a tener gente a tu favor y gente en tu contra; lo que sí que me hace soltar una gran carcajada es cuando escucho que KoЯn, Limp Bizkit y Deftones inventaron algo. Inventores fueron Alexander Graham Bell o Edison, pero estos como mucho lo que inventaron fue la acción de abrir la nevera y beberse una lata de cerveza de un trago y aguantando la respiración mientras una cámara les está grabando y saludan a sus madres. Los chavales que se juntaron en esa época para hacer música simplemente fueron “víctimas” de su entorno y las circunstancias que los rodeaban, y por eso les salió esa música. Para mí darle una determinada forma a las ondas sonoras no es crear nada, solo es darles una forma diferente. Del mismo modo puedo admitir que fueron los primeros en tocar”eso” ( nunca sabremos si en algún rincón de Madagascar usaron chandal para tocar una guitarra electrica antes que KoЯn), pero ser los primeros no significa inventar nada, el primer campeón de los 100 metros lisos no inventó el atletismo.

Y aqui me paro, porque los amantes de las cifras, datos y analisis discográfico estarán mordiendose las uñas al ver que no he hablado de su carrera ni de sus ventas, pues ahí va esto (si sabes algo de este grupo no leas esto, o  recuerdalo, o consulta la wikipedia que hay más):

1994-Korn: 3 millones de copias vendidas. “Shoots and Ladders” nominada en 1997 a los Grammy. Producido por maese Ross Robinson, nos dejó diamantes como “Faget” y “Ball Tongue“. Los puristas dicen que no han conseguido superar este album con ninguno de sus trabajos posteriores. Sigan.

1996-Life is peachy: A parte de ser lo que reza un tatuaje de Brian Welch, este fue el segundo disco de estudio de la banda. Doble platino. Tercer puesto en el Billboard. Ross Robinson a los mandos otra vez. “No place to hide” y “Good God” sobresalen en mi opinión por encima de los demás temas.

1998-Follow the leader: Sigan al líder, así de arrogantes se mostraron al ver que otros grupos podían hacer lo mismo que ellos. Se empiezan a ver algunas flaquezas en su trabajo. Contiene el mega-hit “freak on a leash“, premiado por la MTVcomo mejor video de rock y mejor video revolucionario. Sin duda, las mejores “BBK” y “Reclaim my place”.

1999- Issues: 4 discos de platino y número 1 del Billboard. Y poquita cosa más. Quédense con “Somebody Someone” y/o “Trash”.

2002- Untouchables: 434.126 copias vendidas la primera semana en EEUU. Viene definido por una palabra: SOBREPRODUCCIÓN. Jonathan Davis se vuelve un visionario de la música, y por querer inventar algo fracasa estrepitósamente, un CD muy prescindible. Aún así tiene un tema que entra en el top ten del grupo, “Here to Stay“.

2003-Take a look in the mirror: Eso deberían haber hecho, mirarse al espejo. Con mucho esfuerzo podrás escuchar “ya’ll want a single” y el principio de “did my time”.

2005- See you on the other side: 2.400.000 de copias mundialmente, y al mismo tiempo una de las mayores estafas musicales que recuerdo. Si eres un poco selectivo no salvarás de la quema ninguna canción.

2007- Sin título: Algunos hemos tenido la mala suerte de escucharlo entero. PÉSIMO.

A parte de estos albums también han editado algunos de rarezas y conciertos acústicos para embolsarse una relativa cantidad de dinero de una manera llevadera y fácil. Además han contado con las colaboraciones en muchos de sus trabajos de músicos como Terry Bozzio (grabó la batería del último CD de estudio), Fred Durst, Ice Cube o Chino Moreno; por no hablar de las numerosas contribuciones a la música entre las cuales cabe destacar la mejora del tema “One“, de Metallica. También ha habido tiempo para la polémica y la generación de controversia por temas de drogas y conflictos internos en el grupo, como por ejemplo la marcha de Brian Welch tras “ver la luz”.

Bien, una vez leido esto dirás: “Ah, ya sé quién son KoЯn”. Nada más lejos de la realidad. Por fortuna o por desgracia, a mí me tocó conocerlos en su etapa de “follow the leader“, y me sorprende que hayan podido captar fans que los descubrieron con el “see you on the other side”, porque si yo los hubiera conocido en esa época probablemente no les dedicaría un post; pero como ya he dicho, los descubrí con otro CD, y más suerte tuvieron aquellos que los conocieron gracias a su primer album. Pero no basta con conocer a un grupo por su primer disco si no estas sincronizado en perfecta armonía con los parámetros temporales a los cuales se adecua un trabajo. De nada te sirve escuchar el disco “Korn” en el año 2009. La simbiosis llega cuando estás en el lugar adecuado en el momento adecuado, para los que no lo entendáis: estar un día del año 1994 en el corte inglés, más concretamente en la pirámide musical frente a la estantería de pop-rock internacional y la letra “k”.

El actual circo que rodea a la banda de poco les cuesta más de un disgusto, y no creo que haya beneficiado para nada en su relación con sus verdaderos seguidores. Relación que se ha visto perturbada no por unas declaraciones polémicas o por temas ajenos a lo meramente musical, sinó por un bajón contínuo y progresivo en sus trabajos. Lo que actualmente vemos y escuchamos poco tiene que ver con KoЯn, solamente quedan algunos resquicios de aquella banda que calló miles de bocas a golpe de chándal en la década de los ’90. Pero amigos, esto es música, y los CDs están hechos de metacrilato y solo tienen canciones, pero los grupazos están hechos por la imagen mental que generamos al sentir su música y de los momentos que nos vienen a la memoria cuando volvemos a escuchar otra vez esa canción. Maradona sigue siendo Dios, nadie duda que tienen mucho más peso los momentos de magia que regaló que los kilos de farlopa que se metió. Con esto quiero decir que, pese a no estar haciendo en estos momentos las cosas de la manera más adecuada, KoЯn emprendieron un viaje sin retorno en el cual muchos de los caminos que antes eran de grava y piedras, ahora los demás lo tienen recién asfaltado. Y si ves que ya no son lo que eran serénate contigo mismo y hazte la siguiente pregunta: “¿Y qué?”.

Si no es la mejor música que ha entrado por mis oídos, poco le falta. Capaces de matar a tortazos con unas guitarras afinadas para la destrucción masiva y capaces de crear las melodías estructuralmente más completas que haya escuchado en un grupo de este estilo (completas no significa complejas, sólo basta con que enciendan el botón de “sorpresa” en tu cerebro). Y hablando de estilo, estamos en lo mismo de siempre… hardcore-punk/rap-metal, metalcore, nu-metal… Miren, no puedo decir exactamente lo que són, pero si puedo decir que Anthony Martini puede rapear mejor que el negro mas negro del Bronx, y al mismo tiempo ponerte los pelos de punta entonando un estribillo de aúpa como es el caso de “so many nights“; o porqué no, brindarte la oportunidad de escuchar un juego de arrastres en la guitarra mientras aprecias una claqueta afro a la batería. Y lo mejor de estos chicos no es la terrible perfección en la ejecución, que ya es motivo suficiente de admiración, sinó el manejo del sentimiento.

Una vez más, estamos ante un claro caso que representa las injusticias de la esfera musical. Tras pasarse varios años “d’aqui p’allá” y saltando de discográfica en discográfica, E. town concrete nos dejaron en el 2006 con un legado de 4 CDs, dos de ellos llamados The Renaissance y Made for war. Probablemente la historia hubiese sido diferente si hubiesen tenido detrás un grupo humano que se  encargara de hacerles pegar el salto del gran charco y promocionarlos en el viejo continente; pero en Europa, aunque habrá un sector bastante grande que los conozca, no llegaron a calar hondo. Su éxito en América tampoco es que fuera descomunal, pero ahi tenian su círculo de post-adolescentes rabiosos dispuestos a romper mandíbulas en sus conciertos. Aquello que no sé porqué, pero todos los seguidores de este grupo nos temíamos, sucedió en 2006: E. town concrete firmaban su propia esquela en el myspace. Bajo mi punto de vista ya llevaban un tiempo clínicamente muertos, y a mi parecer adoptar la postura de “ya hemos acabado” fue simplemente ponerle nombre a algo que estaba más que asumido. Nunca volveríamos a escuchar nada nuevo de la banda de NJ…

…Pero para mi sorpresa y regocijo hace pocas semanas me encontré con un anuncio en la web que decía que E. town concrete volverían a ofrecer un concierto el pasado mes de febrero. Nunca es mal momento para darse una alegría. Esperemos que en esta segunda manga les salgan bien las cosas porque se lo merecen, y que tengan una promoción digna del grandisimo grupo que son, aunque con que saquen un par de discos yo me doy por satisfecho, porque es un grupo para disfrutarlo en la soledad.

E. Town Concrete… son otra historia, el grupo que separa la madurez de la niñez, tal vez por eso menospreciados e infravalorados.

Es un hecho que el lugar de donde vienes incide directamente en la forma que tomarán tus composiciones musicales; estamos ante un claro caso de este fenómeno. Así como Rammstein se caracterizan por la corpulencia y la pesadez de los alemanes, 36 crazyfists (toman su nombre de una película de Bruce Lee) se definen por la gelidez y la introversión típica del caracter norteño. Poco a poco también me dí cuenta de que por mucho metalcore, hardcore y post-hardcore que haya en el mundo, este grupo retoma las cenizas del nu-metal, simplemente lo moderniza y le meten algunos acordes disonantes y variaciones tonales que dan a las canciones un tono mucho más personal (dentro del estilo pocos grupos se les parecen), y solo con ese hecho los críticos y especialistas se bastan para gastar esa palabra que se han encargado en poner de moda: Metalcore; pero bueno el nombre que le pongas no va a cambiar la música así que llamalo como quieras.

Si bien es cierto que toman muchas licencias del metal moderno, véase: rellenos de doble bombo llevados al extremo, la supremacía del arpegio, contraste total entre voces melódicas y berridos, por no hablar del uso de fraseos nada típicos… La música que nos proponen este cuarteto de Anchorage es muy personal e intimista, con discursos a veces muy melancólicos pero siempre con una energética pegada.

Al igual que otras bandas grandes de la escena como por ejemplo Machine head, 36 crazyfists han sufrido episodios de amor/odio con sus respectivas discográficas. Sus dos primeros discos, Bitterness the star y A snow capped romance, fueron publicados bajo la tutela de la todopoderosa Roadrunner Records. Pero su relación con la delegación estadounidense de la compañía no pasaba por su mejor momento, aunque no era así con su homóloga europea (muy parecido a lo que pasó con Machine head). En palabras de Brock Lindow, vocalista de la banda, “Roadrunner quiso comercializarnos [...] uno tiene que plegarse a lo que Roadrunner Records quiere y lo que necesita. Quieren los cortes de pelo correctos y los pantalones tejanos ajustados. A 36 Crazyfists no le va esa mierda y nunca ha mostrado interés en ella”. De este modo el grupo firmó por Ferret Records, que pese a no estar enfocada desde un ámbito tan financiero, constituye un grupo de buenos amigos y se encarga de bandas de tirada underground, lo que parece que a 36 Crazyfists les sienta como unos tejanos recién comprados.

¿Sorprende que se autodenominen underground? A mí no mucho, la verdad, aunque no los considere dentro de ese marco. Si pegamos un vistazo a las listas de ventas y al Billboard, si, no cabe más remedio que considerarlos underground. Si los comparamos con bandas de tirón internacional y tan conocidas como Slipknot, sí, serán underground. Pero hay una regla en este negocio que dice que el éxito, siempre acompañado de la fama, convierte aquello que toca en máquinas de hacer dinero, y de eso no puede escaparse este grupo, porque ahora no son solo ellos los que dirigen el timón de su carrera sinó unas cuantas decenas de personas más. El simple hecho de que yo me haya enterado de su existencia, de que alguien en España se haya podido enterar de que hay un grupo de Alaska que es la hostia, dice mucho sobre si son underground o no. Ten presente, amigo mío, que hasta hace dos o tres años AFI eran el secreto mejor guardado del underground. Otra cosa es que tu reclamo para vender sea decir que eres underground. Pero vuelvo a remitirme a ejemplos que pasaron con otras bandas, como a Slipknot, que su anti-imagen se convirtió en su imagen.

No quiero saturarte más por hoy, piensa que si todavía no has escuchado este grupo estás perdiendo el tiempo en la vida, temas como “The all night lights”, “at the end of aufust”, “installing the catheter”, “bloodwork” o “we gave it hell” están esperando ansiosamente a ser escuchados. Y cuando los estés escuchando, serás sabedor de una experiencia músical única e irrepetible.

Antes que nada un par de aclaraciones: Panic! at the disco no son un grupo emo, por mucho que os empeñeis, emo(s) son algunos de

Brendon Urie

los que lo escuchan, que es diferente. Si, son un grupo comercial, están en manos de una major, y vienen de Las Vegas, quizá eso es lo que los convierte en más grandes.No creo que sean ni de cerca de los mejores grupos de la escena internacional, ni soy uno de esos fans que se tiran de los pelos cuando los ven en directo, pero me parece que este grupo tiene una serie de particularidades únicas y por ello admirables.

Rápidamente, vamos a ver si podemos zanjar el debate sobre “lo comercial”. Aquel que diga que está en contra de lo comercial, o que piense que lo comercial es malo o demasiado vulgar, se equivoca de antemano; un grupo al que le llega la comercialización es porque hace música que agrada a la gente, y por tanto es buena; es más, hoy en dia no existe ningún grupo conocido que no sea comercial, porque aquellos grupos que no son comerciales no tienen ni la oportunidad de ser explotados musicalmente. Justamente aquellos que dicen ser alternativos alardean de ser autenticos 100% y de no tener ningún prejuicio, pero es escuchar la palabra comercial y les salen llagas, dime tú si eso no es un prejuicio… Asi que,tú que probablemente presumas de ser tan especial y auténtico que solo escuchas música alternativa e Indie, tú que vas por ahi como un campeón cagandote en lo comercial mientras cantas algun estribillo de Los Planetas, siento de decirte que eso que escuchas es comercial, porque lo conoces via medios de comunicación y via multinacionales, igual de comarcial que Mozart y que Marilyn Manson. Con esto no quiero decir que las bandas alternativas sean malas, simplemente no conozco ninguna buena.

Una vez aclarado este tema y habiendote liberado de toda tu vergüenza de estar escuchando un grupo comercial como son Panic! at the disco, solo te queda disfrutar de las bonitas ondas sonoras que desencadenan en tu tímpano, tras su paso por el conducto auditivo externo; que el martillo, el yunque y el estribo se encargan de transmitir a tu cerebro, creando en éste una reacción que hace que el hipotálamo segregue endorfinas. Claro, todo eso si escuchas A fever you can’t sweat out, porque si escuchas el Pretty. Odd seguramente te entre un ataque de rabia.

El primer CD del cuarteto de Las Vegas entró como un huracán en las listas de ventas, llegando a vender más de 2 millones de copias y premiado con diferentes galardones. En este trabajo podemos encontrar aquello que nos gusta a la mayoría de fetichistas: introducción, intermedios, enlaces entre canciones diferentes, intromisión de cuerdas… Pero lo que más me llamó la atención fueron la originalidad de los arreglos. Acepto que digan que los estribillos y las estrofas sean poco originales (aunque no estén en lo cierto), pero inventate tú esos arreglos de “Lying is the most fun a girl can have…” o de “Build god, then we’ll talk” (la mejor de este album). Además nos dejan perlas como “but it’s better if you do” o la pegadiza “I write sins, not tragedies“, buque insignia del grupo. Todo esto acompañado por una gira en la que sinceramente, me sorprendió gratamente el sonido que sacaron en directo. Así como grupos que tienen su fuerte en el trabajo de estudio como por ejemplo Fall Out Boy después se ve su verdadera cara en el escenario, a P!ATD se les ve con un sonido muy fiel a la grabación. También he de decir que el espectaculo visual lo completó una estetica victoriana y una performance circense en cada actuación, donde realmente se apreció que habia algo más que “buena obra” detrás de cada concierto; habia dinerito del bueno.

Después sacaron Pretty. Odd. Este disco mejor no lo escucheis. Es bastante malo. Mantienen el 10% de la frescura que tenían antes, desaparece la distorsión, y se les va mucho la cabeza en plan “artista conceptual”. El album ha vendido 800.000 copias, una miseria (la gente no es tonta). La razón que le doy yo a este hecho es que después de visitar Abbey Road, el espiritu de John Lennon se le apareció a Brendon Urie dejándolo conmocionado de por vida, porque la verdad,es un disco muy a lo Beatle. La gira desastrosa.

En fin, para ser un grupo tan joven (nacidos todos entre 1986-87) ya han saboreado las dulces mieles del triunfo y el dolor de una hostia tras una caida de 200 metros, y todo esto bajo la atenta mirada de nosostros, los espectadores, que simplemente nos preocupamos por discutir hay que consumir este producto de la industria discográfica. Pensad que tener 20 añitos y que venga el señor del traje a ofrecerte un contrato musical y saber que vas a pegarte la vidorra hasta que te canses es muy goloso.  Más adelante profundizaré en pequeños detalles que me parecen interesantes sobre este grupo, del mismo modo que lo haré sobre los demás. Esto que hago es solo presentar grupos que por alguna cosa o por otra me parecen interesantes nada más.

Si he ofendido a alguien no era mi intención, aunque de las dos personas que van a leer esto no creo que ninguna esté ofendida.

Como amante de la música, me cuesta mucho encontrar un grupo que llegue más profundo a los entresijos del alma humana que este trío formado en Devon, Inglaterra. Puede parecer una chorrada, pero está científicamente demostrado que la combinación de ciertos acordes y de diferentes harmonías alteran el estado de la persona; y no sé si Matthew Bellamy será consciente de esto (aunque estoy seguro al 100%) pero las canciones de esta banda británica deberían ser usadas como terapia.

Dejando a parte el tema de la “llegada” que tienen sus canciones, lo que más me atrae de este grupo es la grandeza que desprenden en cada una de sus manifestaciones artísticas; y gran parte de culpa la tiene Matthew Bellamy, frontman de la banda y artista “total” del S.XXI. Como todos los genios, cuenta con un estilo único e implagiable, y tiene un dominio de la situación en los directos que aunque el escenario tenga 30 km se le queda pequeño. Chris Wolstenholme crea unas lineas de bajo que a simple vista pasan desapercibidas, pero que son de una dinámica musical extraordinaria, y Howard hace con la batería lo que cada canción le pide.

Uno por uno son unos pedazo de músicos, pero como bloque no tienen rival. Un aspecto a remarcar son sus directos; por desgracia no he tenido la suerte de presenciar ninguno, pero he visto unos cuantos conciertos suyos en video y he de decir que si escucharlos en grabación ya es una gozada, en directo mejoran incluso el trabajo del estudio con una nitidez exquisita. Si no los has visto subidos encima de un escenario simplemente te bastará con ver el HAARP, mítico concierto que ofrecieron en Wembley, del que con solo recordar algunos fragmentos se me ponen los pelos como escarpias: el montaje de las luces es algo de otro planeta, visto desde arriba el recinto es una nave espacial el motor de la cual es el escenario, el sonido está cuidado hasta el más mínimo detalle, y la performance que completa Bellamy (sin quitar mérito al resto del grupo) es profética y en algunos momentos, como por ejemplo en “stockholm syndrome”, adopta tintes mesiánicos.

Un aspecto que les ha ayudado mucho ha sido el look kubrickiano que siempre han adaptado y adoptado para cada uno de sus trabajos; a esto hay que añadirle el uso de instrumentos poco convencionales como por ejemplo el órgano de iglesia en Origin of symmetry, si no recuerdo mal para el tema “Citizen erased“, considerado por mí el mejor de la banda. En Black holes and revelations, último disco de los británicos hasta la fecha, los sintetizadores ganan presencia y podemos encontrar bizarradas western del futuro como esa obra maestra de la creación que es “knights of Cydonia“. No puedo dejar sin mención su album “Absolution“, trabajo con el que el trío arrodilló a sus pies a medio mundo, a la crítica y a todos lo medios especializados; al igual que Showbiz, su primer LP.

El único problema que encuentro yo a todo esto es muy sencillo: Muse es un grupo que no es dado a los extremos, y eso los sitúa un poco en tierra de nadie a la hora de formar una legión de seguidores. El lado más duro del metal ve a Muse demasiado blando, pero el lado más blando del pop-rock los ve demasiado fuertes. Solución: el indie se los apalanca.

Nos va a tocar esperar hasta septiembre para poder escuchar la próxima obra maestra con la que nos cautivarán, y se prevee algo mucho más electrónico y plagado de sintetizadores. Mucho me temo que Muse se van a convertir en un grupo de culto, de hecho ya lo es, y eso me incomoda, pero lo importante es que a ellos no.

Deftones

No me extraña que muchos y muchas cataloguen a Deftones como la banda más grande del planeta. Para mí no lo són, pero entiendo perfectamente que mucha gente piense así.

El cariño que les tengo radica en diferentes razones, como por ejemplo, que la banda nació el mismo año que yo, en 1988, y se puede decir que de alguna manera toda esa generación a la que nos gustaba ese tipo de música hemos crecido con ellos. Básicamente considero que Deftones son una banda artística, más allá de todos los géneros en los que puedan estar encasillados: hacen nu-metal “my own summer“, se interesan por el experimental “lucky you“, el hardcore “when girls telephone boys“, el rock alternativo “7 words“… pero bueno, ninguno de los temas citados, al igual que todo el trabajo de este grupo, puede ser calificado como perteneciente a un genero determinado, aunque la gran mayoría pensamos que lo más próximo sería el nu-metal, ya que formaron parte de la santísima trinidad nu-metalera junto con KoRn y Limp Bizkit.

Todo lo que rodea a este grupo de Sacramento tiene un toque especial; no sé si será por las voces de Chino Moreno (que en estudio puede que sea de los mejores cantantes en el panorama actual), las atmósferas creadas por Frank Delgado,  un Abe Cunningham inspiradisimo en cada canción, o las guitarras más brutas que se han escuchado sobre la faz de la tierra, quizá sea la suma de todo esto. No obstante la cosa no acaba ahí, todo el artbook de sus CDs está llevado a cabo con extrema elegancia, con una imagen única a la que ningún otro grupo aspira ni siquiera a acercarse. Además su trabajo no se limita solo a sacar discos, Chino moreno invita a artistas como Maynard James Keenan o Serj Tankian, colabora con Sevendust; y además tienen tiempo suficiente como para sacar covers como “if only tonight we could sleep“, “wax and wane“, o “simple man“. El directo es otra historia. Sus conciertos son una lotería, pero si tienes suerte y acudes a uno de esos que les sale bien, el espectaculo no lo olvidarás con facilidad.

Deftones son un grupo con actitud, de los que ya no van a volver a nacer; más que nada porque las circunstancias que se dieron en el momento de su creación son irrepetibles. Se me han quedado muchas cosas por comentar en el camino pero es imposible para mi mente descifrar aquello que ocurre en mi cerebro cuando, por ejemplo, escuchas “Feiticeira” por primera vez. Por el momento solo queda esperar a que publiquen su próximo disco, “eros“, y ver las sorpresas que nos aguardan dentro de ese cacho de plástico al que se reduce el trabajo de varios meses.

Como músico ha llegado a sacar 5 discos con su grupo más conocido, Queens of the stone age, a cual de todos mejor; a parte de otros tantos con Kyuss y otros tantos con The eagles of death metal. Ha sido creador y abanderado del estilo stoner desde que estaba en Kyuss, y además ha sabido hacer evolucionar su música en cada trabajo rodeandose de los músicos más aptos en cada ocasión. Canta, toca la guitarra, el bajo, y la batería (quién sabe si el piano), y de su mente han nacido hits de la talla de “mexicola”, “regular john”, “feel good hit of the summer”, “how to handle a rope”, “go with the flow”, “no one knows”, “little sister”, “3′s & 7′s”, “I never came”, y muchos más. Por si fuera poco, ha colaborado conjuntamente con Dave Grohl, P.J. Harvey, Chris Goss, Mark Lanegan, Natascha Schneider (en paz descanse), Alain Johaness, Chasey Chaos y otros muchismos más que ni siquiera conozco. Ha montado su propio sello RekordsRekords. Se ha casado y ha tenido una criatura con Brody Dalle, ex-frontwoman del grupo punk the Distillers. Y ahora mismo se encuentra produciendo lo nuevo de Arctic Monkeys.

Personalmente no me considero seguidor del Stoner ya que no conozco ni el 10% de los grupos vinculados a este género. A veces dudo si realmente soy fanático de QOTSA o si simplemente soy fanático de Homme. Lo que nadie puede negar es que este tío es adicto al trabajo (a parte de a muchas otras cosas). Probablemente haya sido el desierto lo que le ha hecho ver la vida de esa manera, de un modo parecido al que le ocurrió a Jesús. A parte de lo ya mencionado tampoco se le da nada mal la bronca. A Blag Dahlia ya le metió un botellazo tras la ruptura con Nick Oliveri y estuvo varios meses haciendo trabajos para la comunidad y terapia para la canalización de la ira. Y en más de una ocasión le ha apretado las tuercas a algún fan de las primeras filas por lanzar botellas al escenario.

Musicalmente hablando no es ningún genio como Steve Vai, Mike Portnoy, u otros tantos figuras seguidos por enfermos del virtuosismo, eso no le hace falta. Sus temas siempre me han dado la impresión de ser muy robóticos, de meterse en un rancho de Joshua Tree, ponerse de droga hasta el culo, y dejar fluír la imaginación,rozando algunas veces la rayada mental. Por otra parte tenemos canciones como “I never came” o “long slow goodbye”, ésta última quiero que suene el día de mi funeral.

Tampoco quiero taladrarte con este tío, que al fin y al cabo es una persona mortal como tú y como yo, querido amigo; pero hay tres cosas grandes que te pueden pasar en esta vida: Que te toque la quiniela, tener una copia en vinilo del single “así me gusta a mí” firmada por Chimo Bayo, y por último, ser Josh Homme.

infest

Papa Roach va a sacar disco dentro de unas semanas, aunque ya hace tiempo que el trabajo circula por la red. La verdad es que no hay muchas espectativas al respecto, ni se espera un discazo (lógicamente), ya que los cuatro de Vacaville no han sabido aprovechar bien el momento de gloria del que gozaron tras su aclamado “Infest“.

Esta primera entrada va dedicada pues, a un grupo que empezó siendo una cosa y -por distintos motivos y altibajos en su carrera- acabará por hundirse en lo más hondo del pozo de la mediocridad. Los primeros en ser conscientes del cambio que ha sufrido su carrera en los ultimos años son ellos mismos, probablemente por eso su nueva producción se llame “Metamorphosis“.

A estas alturas no es que le tenga ningun cariño en especial a Papa Roach, pero me reconforta pensar que en otros tiempos fueron un grupo respetable y respetado, que se dejaban de tonterías. Ahora solo basta con ver a su cantante; ya no se llama Coby Dick, sino Jacoby Shaddix; ahora viste con ropa de cuero y se ha olvidado de los pantalones anchos, y por supuesto, ya no lleva el pelo de punta como mandaban los cánones en la generación del 2000. La estética del grupo en general ha pasado a ser mucho más oscura, habrán crecido…

Pese a ser un grupo que tengo considerado como de segunda fila, tienen uno de los que para mí es uno de los mejores discos del 2000: el “infest“, vigesimo album con más ventas en Estados Unidos ese mismo año ( para ser su debut no está mal) y triple disco de platino, con temazos convertidos en himnos como “last resort” o “between angels and insects“, sin dejar de lado “revenge” o “never enough“. Después vino el depresivo “LoveHateTragedy“, y aqui no se en que coño estarían pensando, pero desaprovecharon todo el trabajo anterior con un disco de mierda, retocaron toda su estética, e hicieron canciones sin ningun tipo de atractivo; solo se salvan “she loves me not” y “time and time again“. Parecía que iban a remontar un poco el vuelo con “getting away with murder“. Este disco no fue más de lo mismo, fue diferente pero peor. Solo se recuerda que yo sepa, una canción, la que daba título al CD. Hace tres años el señor Howard Benson nos quiso vender la moto produciendo “the paramour sessions“, pero creo que el público se anticipó a su idea y vaticinó que ese disco iba a ser una patraña. Papa Roach ya habia abandonado cualquier seña de identidad anterior y nos regaló esta vergüenza de trabajo, que para ser sincero es incluso peor que el anterior, y del que solo rescataría “roses on my grave” así que imaginaros el resto del disco…

Ahora con su nueva “metamorphosis” no sé si esperan volver a ser triple disco de platino como fueron antaño (cosa que ninguno de los siguientes a “infest” ha conseguido), pero de momento me parece que mejor dejarlo aqui, mejor que se dediquen a vivir la vida y que se olviden de la musica, porque su primer single “hollywood whore” no hay por donde cojerlo, es penoso. Pero más penoso es el siguiente “lifeline“, que he de reconocer que en algún momento resulta pegadizo, pero como no va a serlo si has realizado una copia del aclamado “everybody’s changing” de Keane?

Papa Roach no son el grupo predilecto de nadie, como mucho, lo fueron hace algunos añitos. Se pueden escuchar, pero no tienen nada como para salir del embudo formado por miles de bandas como ellos, que viven básicamente del pasado. Este grupo puede gustar, pero no apasiona.